Oeuvre: Claire Milbrath
Jusqu'au 1er mars 2025
Ce sont de vastes blocs de couleurs abstraits vus de loin. Des rangées ordonnées, apparemment infinies, d'orange, de jaune, de rose et de rouge. Un spectacle étonnant. Un immense ensemble composé de centaines et de milliers d'une seule petite chose : une tulipe, une tulipe, une tulipe. Répétée à l'infini.
Telle fut l’expérience de Claire Milbrath lorsqu’elle arriva pour la première fois aux jardins de Keukenhof à Lisse, aux Pays-Bas, en 2023. Un pèlerinage sur 35 hectares de terre où environ sept millions de bulbes de tulipes sont plantés chaque année. Dans ces blocs de fleurs aux couleurs délibérément organisées, Milbrath reconnut une dévotion, une obsession et une beauté extrême qui semblaient à la fois illimitées et contenues dans une œuvre d’art, rappelant la déclaration de Maurice Denis selon laquelle « un tableau […] est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs, assemblées dans un certain ordre ». C’était un sentiment d’extase. C’était un spectacle à contempler, à approcher, à se rapprocher de plus en plus, jusqu’à ce que les longues bandes de couleur deviennent une seule fleur. Une fleur dans laquelle Milbrath avait envie de grimper et d’être enveloppée, de la voir de l’intérieur, ce qui l’a conduite plus tard à des œuvres comme Green Altar et Green Fuse (toutes des œuvres de 2024) qui visualisent l’intérieur d’une tulipe comme un microcosme et un autel de la nature.
Tout au long de l’exposition Green Fuse, Milbrath s’intéresse aux tulipes et à ses expériences à Keukenhof, puis à Skagit Valley, dans l’État de Washington, qui sont capturées dans l’œuvre vidéo Tulips (2025). Dans la première tulipomanie, le marquage presque maniaque se poursuit dans des œuvres de l’exposition comme Keukenhof et Skagit Valley . Cela crée un rythme intense aux pièces qui reflète également le travail considérable impliqué dans la culture et l’entretien de ces sites. L’obsession et le travail pour les tulipes remontent loin dans l’histoire de l’humanité, avec des pics d’adoration significatifs commençant dans l’Empire ottoman du XVe siècle – ornant abondamment les jardins impériaux et les textiles ainsi que la céramique et la maçonnerie – et plus tard pendant la « Tulipmania » dans la République néerlandaise dans les années 1630, lorsqu’une fixation sur la fleur a donné lieu à un engouement pour une spéculation désastreuse. Fleur sauvage dans l'âme, une fois que les tulipes ont croisé les humains, a commencé un amour qui s'est accompagné d'une culture contrôlée, manipulant, réglementant et valorisant sa croissance tout en la dotant d'une grande signification symbolique, devenant même la fleur officielle de la Réforme protestante.
Plusieurs œuvres de Green Fuse sont créées sur des panneaux, faisant référence aux blocs organisés des champs de tulipes ainsi qu'au mouvement Nabis de 1888 à 1900. Dirigés par Denis aux côtés de Pierre Bonnard et Édouard Vuillard, les Nabis se consacraient à élever la décoration au rang de fonction première de l'art, brouillant ainsi la frontière entre peinture et artisanat, œuvre d'art et papier peint, les amenant à peindre directement sur les plafonds, les tapisseries et autres meubles. Les motifs et les ornements étaient loués et les projets décoratifs étaient adoptés, et non pas évités. Lorsque Milbrath a vu les œuvres des Nabis en personne, elle a identifié comment leurs intérieurs aux motifs sauvages bourdonnaient d'émotion et de névrose, comblant un fossé qu'elle ressentait entre son propre style à tendance décorative (comme Pink Interior ) et son désir d'exprimer des émotions personnelles. Tout comme Dutch Tulip Fever, Milbrath a reconnu la séduction d'une obsession. Et comment la vue à motifs de la beauté simple et décorative de la fleur pouvait apaiser et contenir les courants tumultueux qui ont nourri ses fleurs. Dans l'art des Nabis comme dans celui des champs de tulipes, des éléments répétés et minuscules peuvent constituer un vaste motif d'ensemble. De même, lorsque la peinture décorative devient un outil pour ordonner les pensées, la peinture devient comme un jardin, une tentative d'assembler et d'ordonner le chaos de la nature pour en faire une œuvre visuellement attrayante.
En étudiant les tulipes et en les peignant encore et encore, Milbrath tentait de semer un ordre émotionnel dans chaque fleur, espérant récolter une communion spirituelle dans le rituel de la peinture. Mais rendre chaque fleur de manière obsessionnelle commença à lui sembler punitif. Au fil du temps, elle ressentit le désir de briser le schéma et de représenter intimement une seule tulipe à la fois, grimpant avec dévotion vers son centre d’où elle pouvait élever « la force qui, à travers la mèche verte, anime la fleur ». À partir de là, comment pourrait-elle les regarder ensuite ? C’est à cette époque que Milbrath reçut l’idée que les tulipes à distance pouvaient être peintes avec moins de détails, indiquées seulement par quelques traits gestuels. Embrassant l’abstraction pour la première fois, les fleurs individuelles de Milbrath s’unissaient, un seul bloc de couleur homogénéisée. Elle commença avec hésitation, avec un champ de tulipes rouges – la première rangée réalisée avec des détails minutieux, la seconde avec un peu moins, se déplaçant vers l’arrière dans la toile, jusqu’à ce qu’un bloc solide de rouge apparaisse. Le Champ de tulipes I est la réalisation ultime de ce processus, de retour aux blocs infinis de tulipes, leurs couleurs pures, abstraites en longues bandes, que Milbrath a vu pour la première fois à l'approche de Keukenhof. Des centaines et des milliers, ne faisant qu'un avec joie.
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